2001 Dragon Stream INAX

INAX Gallery website

「今展では1999年のプロジェクトを象徴的に構築して展示します。1920年に台北につくられた旧日本人小学校を保存修復した建物が、台北市第2美術館に生まれ変わり、そこに龍をイメージした、カラフルで力強く軽やかなプラスティックチューブの作品が常設展示されます。半世紀のメディアアートのエッセンスをちりばめた山口勝弘の作品で、INAXギャラリーは21世紀の幕あけを言祝ぎます。」 (INAX Gallery websiteより)

Yamaguchi Katsuhiro Profil – INAX website

中原佑介:「 山口龍あらわる」、2001年1月、INAXギャラリ-2 Art&News

2000 From Darkness 2000 to Light

「闇 2000 光」展

2001 「第42回毎日芸術賞」

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制作:環境芸術メディアセンター
協賛:下山芸術の森・発電所美術館
協力:NEC ビューテクノロジー株式会社、
横田茂ギャラリー、東京パブリッシングハウス

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「闇2000光」ーバロック偏愛からー
山口勝弘

1- はじまりの夢のデッサン

いま深夜2時を廻ったばかりの都会の部屋の窓から、外のビルの窓が見えるこの部屋。さっき目覚める前の夢。福岡道雄のデッサンの入った大きな木枠の箱をいくつも貰ったので、それをどこかへ運び、出さなければならない。木枠の聞からデッサンの一部が見える。墨で描かれた白い紙、そして赤い木の一部。デッサンといっても、これは立体的なものらしい。とにかく、この荷物は貰ったものだから、ど、こかへ運ばなければならない。一つの夢は覚めてゆく。

そういえば、彼の昔の作品が一点、まだ私の大井の家にある。あの木の枝から垂れ下がった紐の作品は、海の中にゆらめいているようだ。海のパノラマを、私は子供の頃、小さなお菓子箱の中に作っていた。海草と魚がゆらゆらしている。青いセロハン紙を前面に張って、海中の感じを出した。その中に、海底旅行船を仕込んだこともある。

この小さなパノラマ箱は、やがて、20歳過ぎから作り始めた「ヴィトリーヌ」という作品の原型なのか。そうだろうと思いながら富山の展覧会の構成を考えている。富山の撮影に出かける前夜に、都会の窓から外のパノラマを見ている。明日魚津の埋没林博物館へゆくのは、海底の森の残像=遺物を見るためで、その映像を展示したいからだ。そのうす暗いパノラマを懐中電灯で照らしてみたい。その様子は昔のお菓子箱のパノラマを懐中電灯で照らした時のイメージに近い。会場に箱の中のイメージの、実験的な試みを並べる。観客はいくつかの過去の箱の観察から展覧会へ入ってゆく。

「ヴィトリーヌ」の古い写真を箱の中に入れて並べる。ビデオパサージュの模型を並べる。ロンドンのヤシャ・ライハートの家にあった小さな立体ヴィトリーヌを思い出した。すっかり忘れていた3 x 3 x 7cmくらいのサイズの大きさだった。入善の美術館も大きく見えて、これも一つの箱だ。その箱の中にイメージや光や音を詰め込んでおくと、人々はここでもパノラマ体験をする。

ファラドファソドファソラ
夢の中の夢の中の夢が、もし実在とすればの話。
箱の中の箱の中の箱、箱が入れ子の中の入れ子に組み込まれてゆくものだとすれば。
それは、無限に大きく続く、無限に小さく続く。
もし人聞が実在とすればの話。
その中のパノラマを懐中電灯で照らしてみたい。
一束の間の幻影だとしても一

2-  この美術館の宿命を考えて

この美術館の宿命は、美術館という名称で呼ばれる前にある目的のために建てられた建物という原点にある。つまり最初から美術作品を展示する目的で建てられたものではないという点に注目しなければならない。鉄道の駅が美術館に転用された「オルセ一美術館」の例もあるし、最近では火力発電所が美術館になった「テイトモダーン」の例もある。しかしそれら2つの例では内部の設計において殆んど以前の使用目的の残存物は排除されている。美術館と呼称される以上また美術館としての機能を果たすためにはこれは当然のことである。

しかし下山芸術の森・発電所美術館の場合、改修設計の時点でこれらとは異なった選択が行なわれた。建築的には大空間がそのまま生かされているが、水力発電所時代に用いられていた2つの導水管が大きな口を開けているし、タービンやメーター類をはじめとする設備が一部保存されている。その結果、これら機能を果していたものが美術館展示の一部を占めている。したがってここは、水力発電所博物館としての機能を併せもっているから、いわゆる美術館だけに使われているのではないということである。

つまり最初に私が述べたように、この美術館は美術館として生まれ変わってからも、かつての水力発電所時代の歴史的宿命を引き継いでいたのである。

私がこの発電所美術館から個展を依頼されてから現在まで、考え続けていたことはこうした事柄をどのように扱うかということであった。

最初に決めたことは、この美術館の内部空間を闇の中に封じこめることだった。すなわちこの美術館の歴史的宿命を視覚的な世界から排除して、ブラックボックスの中に消し去ってしまおうと考えた。そして、音と光と映像を使うことにより、物質的な存在を視覚的に見えないものにしてしまおうと考えた。これだけを決めてからある日美術館を訪れた。目的は建築的な条件としての音響特性を調べることにあったが、この時小型のビデオカメラでこの建物の細部を記録しようと思っていた。ところがその日私はカメラを手にしながらメーター類やタービンなどを怒意的なカメラの動きによって撮影すると同時にスパナやハンマーを持って建物内部の各所を叩きはじめていた。私はいつの間にかこの建物のパーカッションに夢中になり数時間が経過していた。この時の私の姿の一部は学芸員の手によって記録されていたが、後にこの映像も作品の中に組みこまれることになった。

次の段階に入って入善町周辺の「水」を中心とした映像を撮影することに決めた。豊富な水脈は黒部の山々から発し、海に注ぎこまれる。海岸近くに保存されている沢杉の森、海底に遺されていた埋没林の展示、大量の水の落下などを撮影した。

こうした撮影を通して次第にテーマはしぼられていった。「水」の変容と「歴史」の変容である。もちろん水も歴史も何らかの人間のかかわりによって変容し自然と人工の巧みによって美術館が生み出されてきたのである。「闇2000光」はこの美術館そのものを大テーマとしながら、美術館の成り立ち、入善町周辺の環境、水力発電所時代の遺物などをイメージ素材としながら、映像と音響と照明を総合的な演出空間に織り込むことになった。

最後は天井の大トラス構造の中にヴ、ヴァーチャルでパノラミックイメージ、それは18世紀の壮大なバロック宮殿を想像させるようなイメージを爆発させながら美術館の未来が見えてくるというのが演出の目標となっていったのである。

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(Photos by Saito Sadamu)

production:     Center for Environmental  Art and Media
cooperation:     Nizayama Forest Art Museum
thanks to:     NEC Viewtechnology Ltd
Shigeru Yokota Inc. Tokyo Publishing House


From Darkness 2000 to Light
Starting with an Obsession for the Baroque

Katsuhiro Yamaguchi

1. A sketch from the first dream

It’ s just after two in the morning and I’m standing  at the window of this urban apartment, looking out at windows on other buildings. I just woke from a dream. In it I had received several large wooden crates of sketches from Michio Fukuoka and I had to carry these boxes somewhere. I could see some of the sketches through the slats of the crates: ink drawings on white paper, a piece of red wood. They seemed to have more physical form than ordinary sketches. Yet as I had received these crates I still needed to carry them somewhere. And then I woke.

When I thought about it I realized that I still had one of his pieces in my home in Ôi. The piece, with its strings hanging down from the branch, seemed to be sway­ing like a scene from under the sea. I remember making a seascape diorama in a little candy box when I was a child. When I wrapped the front of the box in blue cellophane,  it gave it just the right underwater feel. I had even made a little sub­ marine for it.

That little diorama was the basis for the pieces I started creating in my twenties called Vitrine. I realize that as I think about the structure of the Toyama exhibit. The night before I go out to take pictures in Toyama, I stand here watching  the panorama from the apartment window. I am in Toyama because tomorrow I want to visit the Uozu Buried Forest Museum, to see the remnants of the forest beneath the sea there and to capture them on film for the exhibit. I would want to light up the darkened panorama as if it were a diorama, just as I had lit up my candy box seascape. I would experiment with some ideas about conceiving of the exhibition space as a box. The exhibit-goers would enter the exhibit from the perspective of boxes in their own pasts.

I place some old photos of Vitrine  in a box. I align some images from  Video Passage. I recalled the small three-dimensional Vitrine from the home of Jasia Reichardt in London, just 3 x 3 x 7 centimeters, small enough for me to have com­pletely forgotten until that moment. The art museum at Nyuzen seemed so large, and yet as another box. If one fills this box with images, light and sound, then the people within might undergo a diorama experience of their own.

Fa-la-do, fa-so-do, fa-so-la

Assuming that I was able to realize the dream within a dream within a dream…
Assuming  that I could create a series of nested boxes, with one box within an­ other within another, that continued  ad infinitum  in both the larger and smaller  dimensions.
Assuming that humanity was reality…
I want to shine a flashlight into the diorama of that reality.
–even as a momentary fantasy–

2. Considering the Destiny of the Nizayama Forest Art Museum

The destiny of this art museum lies with the fact that the building was erected for another purpose long before the idea of calling it an art museum ever arose. We must focus on the fact that this building  was not made to house works of art. There are similar  examples: the Musée d’ Orsay in Paris is housed in what was once a rail station and the Tate Modem in London in an old power station. In both of these cases, however,  the original building  was stripped  bare before  being converted to new functionality. This is a matter of course if the new facility is to exist solely  in name and functionality as an art museum. With the Nizayama Forest Art Museum, however, very different  choices were made when it came time to renovate. Architecturally the large space has been preserved for use, but one will also find two large water conduits with great holes cut into them as well as some of turbines and gauges that were in use when the facility functioned  as a hydroelectric power station. As a result, items that once served a functional pur­ pose within the plant now occupy some space in an art museum.It seems fair to say that this venue therefore acts as a hydroelectric power plant museum as well, and not solely  as an art museum. As I mentioned  earlier,  even though this art museum has been reborn as an art museum, it still continues to bear out its des­tiny from its days as a hydroelectric power station. From the moment I received the request to open an exhibit here at this power station art museum, I have con­tinually thought about the ways in which I should handle this fact. My first deci­sion was to entomb the inner space of the art museum in darkness. In so doing I eliminate the historical destiny of the art museum from the visible world, making things disappear within a black box. Then, through  the use of sound, light and imagery, I thought I would convert physical existence into something that could not be perceived  visually as well. I had reached  this point in my plans when I happened one day to visit the art museum. My objective in doing so was to inves­tigate  the acoustics of the architecture, and I had brought along a small video camera to record some of the building’ s architectural  details. When I was there, however, I realized that the use of the hand-held camera affected my approach to the turbines and gauges  and I began  to start  banging  on them and elsewhere throughout the building with wrenches and hammers. I found myself to be totally absorbed by the percussive effects of the building as a whole, and without realiz­ing it several hours went by as I banged my way around. As all this was happen­ing, some of my movements were recorded by some of the museum interns, and I subsequently  decided to use some of this footage within my piece.

For the next phase I decided  to capture on film several  shots around  Nyuzen depicting water. A rich supply of water is generated in the mountains of Kurobe, and it makes its way to the sea. I took lots of photographs in the preserved forest of swamp cedar near the coast, the buried forest remaining on the seabed at Uozu. A great many photographs were of the movement of water.

These photographs helped me next to determine my themes: the changes wrought by water and the changes wrought by history. Both water and history are items that change through interaction with human beings, and the art museum itself has grown out of a combination  of nature and human industry. From Darkness 2000 to Light makes  the art museum  itself  into a grand  theme, and it incorporates imagery from the museums construction, from the environment of nearby Nyuzen, and from the items left behind from its time as a hydroelectric plant, allowing my to interweave image,  sound and light in a single  comprehensive performance space.

Lastly I worked a virtual panorama image into the massive trussed beams of the ceiling, using imagery that calls to mind a grand Baroque palace from the glory of the eighteenth century. My aim in using this was to invoke the future of the art museum as I explode the Baroque image.

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From Darkness 2000 to Light – Making

From Darkness 2000 to Light

「ギャラリー」2000 Vol.11 No.187

From Darkness 2000 to Light – video digest

From Darkness 2000 to Light – single frame video

2000-闇2000光-山口勝弘展チラシ

 

1986-1987 Galaxy Garden

1986年 ビデオスペクタクル 銀河庭園 (兵庫県立美術館)

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銀河庭園はイマジナリュウムの 1つである。このなかに用意されたさまざまな要素は、視聴覚的な装置のほかに、メタリックなバルーン、乾草、溶岩石などである。そして、視聴覚的世界のもっている非実体性と、バルーンをはじめとする物質的なものが、お互いに作用しあって、ある触覚性を環境のなかに生みだしてくるのではないかと思っている。浮遊主体としての人聞が生きてゆくであろう環境を、1つのイマジナリュウムとして、つまり過去から未来ヘ貫通している人間の想像力の解放装置として仮設している。

GALAXY GARDEN is a kind of Imaginarium comprised of everything from visual devices to metallic balloons, dried grasses and chunks of lava. The unreal visual elements and the physical elements (like the balloons) act on each other and endow this environment with a special “feel.”

This is one kind of Imaginarium – an environment with people as its floating nuclei. I see it as a device for freeing the imaginative powers of people as they move from the past into the future.

(from “The Video Document of Video Installation and Video Sulpture by Katsuhiro Yamaguchi)

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1984-1986 ビデオ表現の複数制 ビデオマルチ例 – Multiplicity of Video – Examples of Multichannel Video Installations: Galaxy Garden 1986, Future Garden 1984, Bridge to Bridge, etc

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1987 Galaxy Garden Performance photo samples

1987 Galaxy Garden Performance video samples

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1987-銀河庭園オープニングー岡本太郎-13-007-01

1987-銀河庭園オープニングー岡本太郎-13-007-02

飯田善國「相互影響、そして「空無」へ向かって」大学時報 1988/01 pdf

「光と音の銀河庭園」毎日新聞1987/04/17 pdf

Lab TECHNO PERFORMANCE 1987 pdf

1981 From Vitrine to Video

1981-山口勝弘展-ヴィトリーヌからビデオまで

「山口勝弘展 – ヴィトリーヌからビデオまで –」パンフレット・出品目録、1981年 pdf

1981年3月に〈ヴィトリーヌからビデオまで〉展は横浜の神奈川県民ホールで開かれる。ホールの様々な会場、階段やメザニンなどの空間の特徴によって、多数の観点の可能性を考慮に入れた上で、彫刻(「光の彫刻」、「布張り彫刻」など)やビデオインスタレーションが展示された。展覧会は二つの要素によって構成されたものである:
(1)観客はその展示を鑑賞するパフォーマンスを行うための構成、
(2)観客が常にビデオ装置によって撮影され、自分のイメージがクローズ・サーキットという構成の中に入っている。
空間の真中に、会場の天井まで延びている《情報環境彫刻 Arch-Satellite-Mask》の金属のフレームに、ビデオ・カメラが設置され、会場及び観客の姿が映された映像が四つのも小型モニターから現われている。床には、もう一つの金属フレームにもビデオ装置が用意され、観客が必ず自分のイメージが見えるようになっている。メザニンの下に、初めてクロズ・サーキットを使用したインスタレーション《ラスメニナス》が施設され、そこで、さらに見る側と見られる側の関係が問われる。
(クリストフ・シャルル)


ARCH-SATELLITE-MASK 1981

“Katsuhiro Yamaguchi: From Vitrine to Video”, Kanagawa Prefectural Hall

“This work offers a model of a telecommunications system connecting remote points on the earth’s surface. The “Imaginarium” (which I thought of around this time) sought to launch a satellite for the exclusive use of an art channel that would create a new media presenting live coverage of historical sites and new performances from around the world.”

「地球上の異なった地点間を結ぷ,Telecommunication のシステムをモデル化した作品である。このころ考えついた「lmaginarium」とはアートチャンネルにのみ使われる人工衛星を打上げ世界各地の遺蹟や新しいパフォーマンスをこのシステムによって結びつ付つけライブなメディアパフォーマンスを行なうことを提案している。」

(”The Document Video of Video Installation and Video Sculpture by Katsuhiro Yamaguchi“より)


「〈情報一環境彫刻 一 サテライト・アーチ・マスク〉
この作品は、神奈川県民ホールのギャラリーの独特の、あの高さ6メートルの大空間を想定したものである。しかも1階ギャラリーからの視界、地下へ下りてゆくオープン階段からの視界、地下を歩きながら眺める視界のそれぞれに対応した構成を計算している。
そういう意味では、観客がこの作品を見るということが、彼らにとってのパフォーマンスであるような作品であり、またさらに、彫刻の中に組みこまれた閉回路のテレビ・システムが、観客の姿を3つの角度からとらえ、それらをモニターテレビ上に映しだすというメディア的性格をもっている。
そういう意味で、情報システムと環境が結びついた彫刻ということができる。かつての「ラス・メニナス」が、ベラスケスの絵画のメディア的解繹だとすれば、その「ラス・メニナス」のメディア構造を、彫刻作品のなかに組みこんだのがこの作品である。」

JAPAN INTERIOR DESIGN(インテリア)、no. 266、1981年5月号、25頁。

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Yamaguchi Katsuhiro Chronology

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Chronology: KATSUHIRO YAMAGUCHI 1951-80
(山口勝弘「360°」、23頁)

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Chronology: KATSUHIRO YAMAGUCHI 1951-80(直筆)

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Chronology: KATSUHIRO YAMAGUCHI 1928-2014
(編集:クリストフ・シャルル「山口勝弘展-水の変容」横浜市民ギャラリーあざみ野、2014年、8頁 / Edited by Christophe Charles, “Metamorphosis of Water” Exhibition, Yokohama Civic Art Gallery Azamino, 2014, p. 8)

“Metamorphosis of Water” Exhibition Catalog

2014 Metamorphosis of Water – Azamino

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横浜の芸術資源としての作品やアーティストを発掘し、紹介するシリーズ展「横浜wo発掘suru」。今回は青葉区在住、メディアアートの先駆者・山口勝弘さんの「水」をテーマとした個展を開催しました。1951年に結成した前衛芸術グループ「実験工房」時代の代表作《ヴィトリーヌ》や旧作の再構成はもちろんのこと、86歳となる現在も旺盛な活動を続ける山口さんの新作および近作の絵画、映像を中心とした近年の活動を紹介する展示となりました。 山口さんと森下明彦さんによる「瀧口修造と美術映画」をテーマとした対談は、会場が満席となる盛況ぶり。草原真知子さん、北市記子さん、八尾里絵子さんの3名によるレクチャーではメディアアート草創期の山口さんの功績とその影響、現在の制作秘話など興味深いお話に会場も盛り上がりました。 ほかにも担当学芸スタッフによるギャラリートークやアートなピクニック(視覚に障がいがある人とない人が共に楽しむ鑑賞会)、あざみ野アートクラブ(子どものための鑑賞会)を通じて、80歳を超えてなお、型にはまらない山口さんの尽きることのない創造力を体感する展覧会となりました。(Exhibition Website)

Exhibition Poster

Exhibition Catalog

Video recording of Yamaguchi Katsuhiro interview by Morishita Akihiko

2006 From “Experimental Workshop” to Teatrine

神奈川県立近代美術館_開催中の展覧会>メディア・アートの先駆者-山口勝弘展-「実験工房」からテアトリーヌまで

メディア・アートの先駆者、山口勝弘展:「実験工房」からテアトリーヌまで

Pioneer of Media Art YAMAGUCHI KATSUHIRO: From “Experimental Workshop” to Teatrine
会期:2006年2月4日(土)~3月26日(日)
会場:神奈川県立近代美術館 鎌倉

1950年代の「実験工房」の時代から現在まで、テクノロジーがひらく新しいアートの可能性を追求してきた山口勝弘。多彩な領域にわたる活動の全貌を、その宇宙的ヴィジョンに注目しながら紹介します。

1928年東京に生まれた山口勝弘は、戦後まもなく、モホイ=ナジなど欧米のアヴァンギャルド芸術に影響を受けて創作活動を開始します。岡本太郎らとの複数の研究会を経て51年に立ち上げた「実験工房」は、作曲家の武満徹や湯浅譲二、美術家の北代省三、評論家の秋山邦晴、写真家の大辻清司など、さまざまな分野の若い芸術家たちによるインターメディアの先駆けとも言えるグループでした。当時の山口を代表するシリーズ「ヴィトリーヌ」は、前面に嵌めた偏光ガラスによって絵の見え方が変化する箱状の作品であり、実験工房の名付け親でもある評論家の瀧口修造に「眼のオルゴール」と評されています。

60年代以降はアクリル板や電気光、布、ビデオやコピー機などさまざまな素材、機材を用いた実験的な作品を国内外で発表する一方、装丁やインテリア・デザインの仕事を手がけ、大阪万博(1970年)の三井グループ館、各地の公共空間・商業施設、また舞台美術などで、映像ディスプレイを中心とする空間プロデュースの仕事を数多く行なっています。さらに複数の大学での教育、ビデオ・アートやテクノロジー・アートの団体設立とイヴェント運営、多数の著述活動など、幅広い領域での縦横な社会との関わりは、まさに先駆者として大きな影響を与えてきました。
多種多様なメディアを用いながらも、60年にわたる制作活動に一貫しているのは、従来の造形美術をめぐる固定観念を跳躍しようとする大胆な「実験」の精神と、社会とのコミュニケーション志向といえるでしょう。しかも、そうした活動の背後には、表現空間を宇宙的な生成の場とみなす詩的なヴィジョンがあり、近年も「舞台としての宇宙」を意味する「テアトリーヌ」のコンセプトの下に精力的な制作を続けています。本展はこの山口勝弘の軌跡を概観する回顧展であり、同時に20世紀後半の日本におけるメディアとアートの一面を検証し、今後の展望を探るものです。

初期作品から、「実験工房」での共同制作作品、1960年代、70年代の多様な素材、技術を駆使した作品、そして最新のテアトリーヌ・シリーズまで、平面・立体・映像作品、映像インスタレーション、印刷物・音源資料等、約100点を展示します。

(報道用資料 2005年12月)

http://www.moma.pref.kanagawa.jp/museum/exhibitions/2005/yamaguchi060120

1994 Reflection

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REFLECTION 1958-1994

This exhibition consists of two works: this one, which I produced in 1958, and that one over there, which I created this year. They’re presented in contrast, as if in a mirror. Visitors will see these works at the same time, and they will see both – even this one, produced 36 years ago – as new and current. Visitors can stand in the middle here and regard both of works as products of the same age. As you can see, the 36-year-old work is a picture painted in translucent colors, covered with glass and illuminated from behind. The picture is thus permeated with light. The glass surface is like a mosaic of lenses, giving it an irregular quality. If you look closely, you see that the lenses produce an optical effect. This little ball serves as a kind of “media eye” to supplement your physical eye. Let’s see what happens when we view this work through the eye of the media. As I scan the surface of the glass with this device, bits and pieces of this 36-year-old picture appear over there, on the TV monitors. Color television and the CCD camera did not yet exist when I created this picture; their invention has truly transformed our visual world. I call this work LANDSCAPE. It was made before the invention of color television and CCD camera technology, but if you look at it through this “third media,” you can see how this “landscape” appears through modern media. Pressing this button changes the display to a pre-recorded video tape of images from natural history and the history of machinery as well as “softer” images of things like the human body and jellyfish. They move back and forth, from left to right, across the display.

In front of the TV monitors are five pairs of transparent columns – ten columns in all. They’re just like the pillars found in ancient Greek and Roman temples. The video images appear inside them and revolve, slowly. Just as the lens-like surface of LANDSCAPE lends it a sense of movement, so the acrylic columns on this work exert a lens-like effect on the video images that pass through them. I call this work VIDEO PASSAGE because it is a video path that you can follow with your eyes.

“Passage” – the lining up of merchandise for people to enjoy and purchase – was a very popular practice in late 18th – early 19th century Paris, at the beginning of the Age of Consumption. I have created a similar “Passage” here, using video.

Next to VIDEO PASSAGE is a MAC database that contains reproductions of other works I created· at around the same time as LANDSCAPE as well as photographs of me and articles about me.

Exhibitions and art shows usually offer nothing more than a catalog to supplement the works on display. Having a database like this, however, enables interested visitors to look at, study and think about the artist and the period in which he lived. They can also, if they wish, find out more about specific works. This exhibition offers a complete multimedia experience as a model of the kind of work that artists should undertake now that it is possible to access and create information on people as well as things. This exhibition not only displays two completed works – it bridges the gap between two times. The database is here to present background information on these works and to serve as a venue for further research.

1994 Reflection – photo samples

1994 Passage photo samples